For ca. 2500 år siden havde grækerne Parrhasius og Zeuxis en diskussion om hvorvidt konturer – dvs. formens grænser bedst gengives ved skygger eller linjer. (Ja, jeg er gået videre til den græske antik i mine kunsthistoriske studier – jeg elsker kronologisk orden :-) ) Siden er slaget bølget frem og tilbage mellem de to standpunkter op igennem kunsthistorien ofte set som en slags kamp mellem tegning og maling, linje og form. I mine mestre kan ses en eventuelt problematisk tendens til forbilleder til begge sider: Zorn (form) kontra Carl Larsson (linje), Sargent (form) kontra Mucha (linje), og som jeg skrev for et par år siden, har jeg vist internaliseret den ældgamle strid… Ups.
- Skal man vælge?
I det enkelte billede (i al fald figurativt) vil en af delene nok altid herske, da linje-baseret maling ofte vil kræve planlægning, hvor disse linjer så ikke overskrides. Det er nok derfor denne stil i gamle dage sås som den akademiske, appollinske, rigtige kunst, gætter jeg på. Derimod kan den formbaserede tilgangsmåde lettere modelleres frem efterhånden i min erfaring.
- Men skal man så specialisere sig i en af delene for at mestre én af delene fuldstændig?
Som jeg tit har skrevet, kunne jeg godt tænke mig at være bedre til at slippe konturerne, når jeg maler akvarel. At forestille sig, at jeg pludselig skulle kunne male frit fra leveren ( :-) ) i akvarel, når jeg er vant til og trives som en fisk i vandet med dækkende (olie)farver, og altså ikke er vant til at holde lyse pletter fri for maling i kampens hede, ville være utopisk. Det er lige før, jeg ikke helt tror på, at det kan lade sig gøre; at male passioneret akvarel uden mindste smule dækkende gouache bagefter (som Sargent da også ofte brugte). Man er ligesom nødt til at planlægge og kontrollere bare lidt mere end i olie. (afhængigt af målet selvfølgelig. Hvis det hele helst bare skal blive en stor grå – men passioneret malet – masse tilsidst, kan man jo bare klatte på. :-) Mine udmeldinger skal altid ses i lyset af, hvad mit mål er – figurativt men også dekorativt.)
En kunstner, der maler uden blæk-konturer men stadig skarpt og grafisk er netop Ronald Jesty, som jeg har skrevet et helt indlæg om i Marts. Den teknik, som altså går ud på at have konturerne tegnet let op med blyant, og ellers lade malingen selv stå for at danne kanterne, når den tørrer ind, kræver jo nærmest mere planlægning – man skal nærmest have konturerne, som jeg plejer at tegne på papiret, endnu skarpere i hovedet!
Udover denne teknik prøvede jeg sidste gang, jeg læste min Encyklopædi om akvarelmaling, en teknik, hvor man ikke maler henover blyantstregerne (altså lader den stå som en pause mellem farverne) og hvisker den ud bagefter, så der står hvide konturer tilbage. Det prøvede jeg igen med en buket roser i et lilla glas som motiv.
Roser – 1. forsøg, akvarel (21x24cm)
Det blev ikke så godt. Som man kan se, havde jeg endnu ikke læst om, hvordan Ronald Jesty fik sine farver til at stå så klart: ikke ved at male ovenpå hinanden masser af gange, men ved i første hug at lægge farverne skarpe og så evt. et par få lag ovenpå til at skabe ekstra spil – men med måde, for ellers mudrer det. Her blev jeg ved at arbejde lidt for meget med farverne, så de blev lidt grålige. Jeg skyndte mig at indramme akvarellen med sorte konturstreger:
Roser – 1. forsøg, panikløsning, akvarel og blæk (21×24)
Forlægget er faktisk rigtigt lækkert, og jeg holdt fast i min ambition om at opnå succes uden konturstreger og læste i encyklopædien om Ronald Jestys teknik og forsøgte at emulere den. Bukketten er set fra en lidt anden vinkel.
Roser – 2. forsøg, akvarel (20×25,5)
Resultatet er faktisk helt okay. Men den blå baggrund burde jeg forsøge at udskifte, hvis jeg laver det oliemaleri, jeg overvejer af motivet. Jeg elsker, når farve-designet er i orden; den lysegule baggrund til Van Goghs brændte gule solsikker f.eks. Det er bare så besværligt, når farverne ikke er helt godt komponerede i forlægget fra naturens side, for at ændre én farveflade bør jo ændre på lyseffekter på hele motivet!
Udover at jeg øver mig på de konturløse akvareller, arbejder jeg også på nogle illustrationer til Devil’s Cub af Georgette Heyer. Og det er virkelig svært at beslutte sig for hvilken stil, de skal være i. Skarpe silhouet-agtige? Fortællende eller still-billeder? tegnet kontur eller ej? Og da jeg regner med at udføre dem i blæk, og jeg havde et vintermotiv, der netop hovedsageligt bestod i sort og hvid ved hånden, udførte jeg nedenstående blæk-tegninger. Først tegnede jeg konturerne.
Sne, blyant, (18×23)
Nøj, hvor havde jeg lyst til at tegne dem op med blæk.
Men jeg holdt mig på måtten og malede i stedet med sort blæk de forskellige grader af skygger. Ikke helt Jesty’sk – lidt for kaotisk, men som forsøg på at skabe et godt maleri uden konturer. Til sidst rettede jeg til med lidt hvid gouache (det må man altså godt. Det gjorde Sargent :-) )
Sne (færdig), blæk og lidt gouache (18×23)
Egentlig helt ok… Men jeg kunne ikke slippe lysten, jeg havde haft allerførst, til at tegne konturerne op… Så jeg tegnede motivet igen. Først i blyant, derefter op med blæk – som sædvanlig.
Sne 2, blæk (16×22,5)
Og så malede jeg skygger på.
Sne 2 (færdig), blæk (16×22,5)
Og det er jo også fint. Og en nydelse at have fuld kontrol.
Hmmm. Og kampen fortsætter…
____
(English recap: I seem to have internalised the old battle between line and colour. Do I have to chose? In this post I discuss this matter and present examples of my experiments in watercolour and ink painting.)
